Mis 5 Consejos para Dominar la Fotografía Analógica en Recitales y Conciertos

A pedido del público sale post analógico sobre fotografía en recitales y conciertos (hice una encuesta en Instagram, y sino me seguís por ahí no se que estás esperando para ir a seguirme) Spoiler alert: El flash está prohibido, al final te digo por qué. Sigan leyendo.

Ah, no, ¡pará!

Este post puede resultarte medio complejo de entender sino sabés las bases de la fotografía (analógica). Si recién llegás a este blog, te recomiendo arrancar bajándote el Curso Básico de Fotografía en PDF totalmente gratuito que armé con todo lo que a mí me hubiera gustado saber cuando arranqué.

Una vez que leíste la guía, deberías seguir con el post sobre forzado de rollos que es algo de lo que vamos a estar hablando bastante hoy.

Con esas dos cosas leídas, vas a ver que esta lectura te va a resultar muchiiiiiisimo más entendible (que es lo que siempre quiero lograr)

Ahora sí, sigamos 🙂


¿Poca gente o multitud?

Antes de pensar en qué rollo debería usar, qué lente, etc acá lo importante es entender el entorno primero. ¿Es un recital o un concierto? ¿Es un ambiente íntimo o va a haber un tumulto de gente? ¿Vas a poder moverte fácilmente por el lugar o te va a costar?

Lo ideal para arrancar en este mundillo de la fotografía de recitales/conciertos es empezar en lugares chicos donde nos podamos mover con facilidad y estar comodxs. Te vas familiarizando con las luces, las sombras que generan, qué ángulo es mejor, etc

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Lomography 800 forzado a 1600

Recién después de aprender a manejarte en esos entornos es que recomendaría que te aventures a las grandes masas. Pero quizás ni aún asi. Supongo que todo depende de tu tolerancia al riesgo 🙂 La mía es medio baja, entonces prefiero no meter mi cámara a un lugar donde quizás se pueda caer y romper. Tú eliges…


¿Qué película?

Mucho podemos debatir sobre qué rollo se desempeña mejor, cuál se banca mejor el forzado, etc pero hay algo que es seguro: Las fotos van a ser en un lugar con poca luz, y va a haber gente en movimiento. Sin ninguna duda, necesitamos buena sensibilidad en nuestro rollo.

Esto lo podemos lograr:

  • Con un rollo de ISO alto (800 para arriba) como puede ser el Lomography 800 o Cinestill 800
  • Sino también podemos forzar un rollo de 400 a 1600. O uno de 200 a 800 si es que va a haber medianamente buena luz. O incluso forzar el de 800 a 3200 (ahí vas a poder trabajar RE cómodx con las velocidades)

Algunas opciones concretas, y que ya probé, son:

  • Portra 400 a 1600: Bastante gente recomienda mucho forzarlo, sin embargo en base a mi experiencia personal, no lo volvería a hacer. Me quedaron unos colores súper apagados
  • Agfa Vista 400/Fuji Superia 400 a 1600: Al contrario del Portra 400, en este caso estos rollos (que en realidad son el mismo film en distinto chasis) a veces puede llegar a saturar demasiado
  • Lomo 800 a 3200: Personalmente, después de Cinestill es el rollo de ISO alto que más me gusta. Tiene muy lindos colores y se aguanta muy bien el forzado.

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El #TIP:

¿Sabías que el ProImage 100 se puede forzar hasta 1600? En este post te muestro ejemplos de lo dinámico que es este rollo.

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Kodak ProImage 100 forzado a 1600. Foto de Carolina Brandão

Por último, con respecto a rollos, recuerden no forzar los rollos vencidos ni los rollos de cine. Si quieren compren un 500T, pero no lo fuercen porque va a generar mucho grano.

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Fuji Eterna 500T – Foto de @arabellaen35mm

¿Qué lente?

Obviamente que cuánto más luminoso el lente, mejor. Acá lo importante es captar luz.

Luego, lo siguiente a decidir va a ser el ángulo del lente, que va a depender de lo que queramos documentar y de que tan lejos/cerca del escenario vayamos a estar.

Si tuviera que hace un cuadrito resumen sobre lo que yo usaría, sería este debajo 🙂 (Si estás con dudas sobre los tipos de lentes, podés leer este otro post donde hablo sobre eso)

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¿Qué velocidad?

Como decía antes, acá lo importante es captar luz… pero también conseguir imágenes nítidas.

Por ejemplo: Con una velocidad 1/30 vas a poder captar mucha luz, pero lo más probable es que las personas en el escenario te salgan movidas. Al mismo tiempo, si quisieras sacar en 1/500 posiblemente termines captando poca luz y te queden fotos oscuras.

Personalmente, no dispararía hasta que vea que me puedo garantizar mínimamente una velocidad de 1/60.


No usar flash (opinión personal)

En general no soy de usar mucho el flash porque disfruto de buscar fuentes de luz alternativas ya existentes en el ambiente. Y en el caso de los recitales, creo que esto se vuelve todavía más clave.

Al sacar con flash nos vamos a garantizar luz, sí. Nos vamos a garantizar que las personas en el escenario se vean, sí. Pero perdemos todo el resto: Las luces ambientales, el fondo. Va a haber una foto, pero no un recital o un «momento» porque le vas a estar sacando el contexto.

Para explicarlo mejor, les dejo estas fotos debajo de @niickyas sacadas con un Kodak Ultramax 400. El mismo recital, con flash y sin flash. Pueden ver como el fondo ya no se ve y las personas en el escenario quedan congeladas, al contrario de la foto sin flash donde se llegan a ver las luces ambientales y hasta un poco de movimiento.

«¿Y pero entonces que hago?» Paciencia, mucha paciencia. Personalmente, lo que hago es esperar a cuando el juego de luces beneficie la escena. Aprovecho a encuadrar una escena que me guste y en cuanto la luz ayude, ¡click!

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Realmente espero que el post les sea útil. Si tienen algún otro consejo o harían las cosas de otra manera, por favor no duden en agregarlo en los comentarios o enviarme un mensaje por Instagram. ¡Este blog lo hacemos entre todxs! 🙂

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